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Afghanistan : l'épreuve de la différence

2011-12-08T13:44:51Z

Mercredi 14 décembre à 19 heures à l'auditorium de l'espace d'Anglemont

En 2006, l'actrice Marianne Denicourt se rend en Afghanistan pour filmer le travail de l'association dont elle fait partie, Afghanistan demain. Elle fait la rencontre de Nassima, âgée de neuf ans, qui est mariée à un homme qu'elle ne connaît pas. Marianne Denicourt réalise un reportage poignant et édifiant sur la position actuelle des mentalités afghanes.

Déroulé de la soirée :

19 heures : projection du documentaire.

19 h 45 : entracte avec collation afghane.

20 heures : table-ronde avec Fabrice Pate, directeur de l'association Afghanistan demain, Anne Houchois, présidente de la Cantine afghane ainsi que des intervenants afghans

UCCELLACCI E UCCELLINI : A VOIR ABSOLUMENT

Léonard Burns — 2011-11-16T12:38:43Z

Précipitez-vous séance tenante pour voir "Uccelacci e Uccellini"( Des oiseaux voraces et des oiseaux doux et tendres) adapté du film que réalisa Pier Paolo Pasolini voici 46 ans. La mise en scène de Luciano Travaglino est plus qu'un clin d'œil à l'auteur de Teorema ; c'est une magistrale leçon de théâtre.

Pourquoi ? Parce que le directeur de la compagnie la Girandole avec la complicité de son équipe a su éviter les pièges habituels qu'un tel exercice comporte. Loin de l'imitation servile ou de la rupture « décalée »,Travaglino nous restitue l'esprit de la fable pasolinenne en utilisant avec grâce et légèreté toutes les ficelles du métier.

La lettre et l'esprit

Il a fallu en effet prendre le film à bras le corps, en étriller le scénario pour transposer ce road movie picaresque joué par Toto, le prince des comiques italiens dans l'espace exigu de ce théâtre de poche. Les éclairages, le décor, le théâtre des marionnettes…ont été utilisés avec bonheur pour donner à chaque tableau leur charme incomparable : le sommet étant les « Fioretti » de Saint-François. C'est sans doute le plus beau moment de cette allégorie annonçant tour à tour le déclin des idéologies et le silence des intellectuels de gauche. Conséquence la trame imaginée par le poète en ressort plus épurée et mieux scandée et sa conclusion gagne ainsi en clarté.

Un débat avec l'Observatoire de la diversité culturelle

Le jeu des acteurs épouse parfaitement ce travail scénique. Jean-Pierre Leonardini interprète avec élégance le rôle du corbeau, porte-parole des intellectuels de gauche dont le sacrifice coïncidera avec les images des funérailles de Palmiro Togliatti, le charismatique leader du parti communiste italien. Gaëtan Guérin joue un Ninetto fantasque, espiègle et virevoltant avec grâce et naturel ; quant à Luciano Travaglino il mettra ses pas dans ceux de Toto, incarnant un père à la fois sagace et ombrageux. De leur côté Gaëtanne Engelibert, René Hernadez et Karine Leuleu forment un chœur grec remuant et inventif au gré des tableaux qui alternent avec des images tirés du film dont la transition est si bien intégrée qu'on les croirait tournées exprès pour la pièce !

C'est dire l'invention déployée dans cette adaptation théâtrale dans le droit du théâtre de Dario Fo. La troublante actualité de la pensée de Pasolini fera le reste. Cette pensée critique qui n'avait jamais renié sa charge poétique a su rester attentive à toute les facette du réel : c'est ce qui lui a permis très tôt diagnostiquer les malaises de notre civilisation. Le débat organisé avec l'Observatoire de la diversité culturelle le 11 novembre dernier l'a mis davantage en lumière. Une cinquantaine de spectateurs sont restés pour entendre le metteur en scène expliquer les tenants et aboutissants de sa mise en scène (L'intégration des scènes non retenues par le cinéaste, l'utilisation des marionnettes….). Ce dialogue qui marque l'amorce d'une collaboration entre l'association des Lilas et la troupe de Montreuil, s'est ensuite poursuivi autour d'un verre de spumante.

" Lulu" de Robert Wilson glacial et "has been"

La mise en scène pasolienne de la Girandole est à des années lumières de celle de Lulu de Wedekind qu'a proposée Robert Wilson au Théâtre de la ville dans le cadre de la saison d'automne. La sonorité du texte allemand, impeccablement rendu par le prestigieux Berliner ensemble au premier rang duquel se trouve Angela Winkler (choisie justement par le timbre de sa voix) ; l'eschatologie des chansons de Lou Réed ; la beauté froide des éclairages et les décors mondrianesques ne sauraient masquer le vide sidéral de la mise en scène. Tout se passe comme si Wilson avait pris un malin plaisir à désarticuler la pièce de l'allemand pour la réduire à une série de clips pour groupe rock façon Kraftwerk. Il n'y a rien de neuf dans cette mise en scène clinquante et fallacieusement boostée aux hormones rock…Je sais qu'il est de bon ton d'exulter devant chaque opus wilsonnien mais personnellement je n'y ai vu qu'un exercice de style ampoulé, prétentieux qui marque bien les limites d'une certaine modernité théâtrale. A force de vouloir faire du « nouveau » à tout prix, on produit des grosses machines théâtrales sans âme. Où est donc passé lé désir ambigu qui illuminait le film de Pabst dont pourtant Wilson se réclame ?

"L'idéologie allemande et la pensée de midi"

« Serial Wilson » et son compère septuagénaire montrent ainsi qu'ils sont restés scotchés aux années 70. A l'époque cette manière de mêler rock et tragédie pouvait passer comme transgressif mais maintenant cette mise en scène creuse et mécanique témoigne à sa façon de l'essoufflement de la modernité occidentale telle qu'elle est aujourd'hui énuclée par l'ultra-libéralisme anglo-saxon et hier par son opposé : « l'idéologie allemande ». C'est en dénonçant le triomphe de cette dernière sur la Pensée de midi qu'Albert Camus avait conclu en 1950 son magnifique « Homme révolté ». Aujourd'hui alors que la crise soigneusement entretenue par les « happy few » menace l'équilibre du monde, il convient de retrouver la véritable transgression : celle de cette pensée du midi, porteuse de civilisation et d'altruisme vrai. Goodbye Robert Wilson, bienvenue la Girandole !

*

Théâtre de la Girandole, 4 rue Edouard Vaillant,93100 Montreuil M° Croix de Chavaux, ligne 9, sortie place du Marché. Réservation 01 48 57 53 17 – reservation@girandole.frwww.girandole.fr

République métisse, invité Michel Wieviorka

2011-10-15T11:34:00Z

"Las acacias" est couronné lors du 20e Festival de Biarritz

Robert Scarcia — 2011-10-06T21:01:41Z

La 20ième édition du Festival latino-américain de Biarritz s'est clôturée avec deux émouvants hommages. Le premier, hélas posthume à Jorge Semprún. Le sénateur maire de la ville Didier Borotra a rappelé l'intellectuel et le politique qui a marqué le siècle et l'Espagne. « Semprún est parti sans qu'on puisse lui dire merci » a regretté Borotra. Le second à l'acteur argentin Ricardo Darín, président du jury, à qui le sénateur maire a offert la médaille de la ville de Biarritz. Darín l'a remercié en soulignant l'importance du Festival de Biarritz pour la cinématographie latino-américaine « un festival qui témoigne de l'intérêt et du soutien au monde culturel d'Amérique latine ».

Par ailleurs l' « abrazo », l'accolade symbolique entre basque et latino-américain, classique prix pour le meilleur film est allé au film Las Acaias du réalisateur argentin Pablo Giorgelli (voire chronique précédente). Ce choix nous semble intéressant parce que dans sa forme et dans la recherche des transformations psychologiques du personnage principal, le routier, il s'agit d'un film anti-hollywoodiens malgré le fait que la route entre la frontière du Paraguay et Buenos Aires nous suggèrent un contexte comparable à ceux des « road movies » américains. La victoire de Las Acacias a fait surtout la joie de l'interprète féminin, la paraguayenne Heba Duarte dont le pays reste encore sans réels cinématographie nationale.

Les prix du jury et de la meilleure interprétation masculine ont été remportés par le film Porfirio et par son protagoniste Porfirio Ramirez Aldana, acteur non professionnel handicapé . Ce film du colombien Alejandro Landes raconte l'histoire de Porfirio un homme réduit à la chaise roulante à cause d'une balle dans la colonne vertébrale tiré par un policier. La caméra suit la vie quotidienne de cet handicapé et sa tentative désespérée d'obtenir justice.

Sans dévoiler l'histoire nous nous limiterons à dire que Porfirio est une histoire réelle qui dénonce un état, dans ce cas le colombien qui ne mène pas à bout sa partie dans le contrat social avec ces citoyens. L'histoire se joue à Florence, ville de la frontière amazonienne colombienne où, clin d'œil au Paris, Texas de Wim Wenders « personne n'a jamais été à Florence, Italie » de dire le réalisateur. Le film Porfirio émeut également par l'humanité de ses personnages, du protagoniste et de ses proches. Ces images du sud nous rappellent pour paraphraser Jean Paul Sartre qu'on ne fait pas de bons films dans des pays rassasiés et sûrs d'eux-mêmes. Porfirio l'illustre éloquemment.

Le prix de la meilleure interprétation féminine est allé à la jeune argentine Paula Galinelli Hertzog, protagoniste du film « El premio », le prix œuvre de Paula Markovic, réalisatrice argentine résidant au Mexique une film qui a également obtenu le prix du syndicat français de la critique du cinéma. El premio est l'histoire d'une gamine de 7 ans qui vit une double vie. Le jour elle va à l'école dans une petite ville côtière battue par les vents de l'Atlantique sud et le soir rentre dans une cabane sur la plage où elle vit avec sa mère qui s y est réfugié pour s'échapper de la répression militaire. Par les yeux et les attitudes d'une enfant, la réalisatrice nous fait découvrir l'autre histoire des enfants argentins nés de militants gauchistes : celle des enfants qui n'ont pas étés séquestrés à la naissance mais qui doivent dès le plus tendre âge cacher leur véritable identité.

L'interprétation de la petite Galinelli est très touchante mais le film mérite quelques précisions puisqu'il permet de boucler la boucle sur la thématique de l'enfance pendant la cruelle répression de la dictature militaire argentine. El premio, en fait, présente la perspective des enfants sans le regard des adultes. Alors que dans d'autres films de mémoire d'enfants, l'angle des enfants est partagé par leurs parents, ici la mère est présente seulement comme une espèce de poids angoissant dans la vie de la fille qui ne sait pas comment s'y prendre. Nous sommes loin des schémas où les enfants sont très voir trop mûrs pour leur âge ; la vertu du « prix » de Paula Markovic gagné par la petite Paula Galinelli est justement qu'ici l'enfant est psychologiquement seul, comme on l'en doute était probablement le ces pour tous ceux jeunes fils et filles dont les parents n'étaient que des simples objectifs à abattre par la dictature.

Le prix du public, est allé au film cubain Boleto al Paraíso (voire chronique précédente), choix que nous saluons puisqu'il indique que la douloureuse trajectoire suicidaire d'une partie de la jeunesse cubaine n'a pas laissé les cinéphiles biarrots indifférents.

Terminons cette chronique avec un regard mérité aux films gagnants de la section documentaire et court-métrages. L'accolade du meilleur documentaire est allée à Abuelos, œuvre d'Equateur signé par Carla Valencia Dávila, un voyage au cœur des montagnes vertes et des paysages arides à la recherche des grands-parents avec encore une fois une fille grandie entre exil et mémoire comme personnage important. La mention spéciale est allée à « El lugar más pequeño, l'endroit le plus petit de Titiana Huezo, l'histoire d'un village du Salvador qui arrive à revivre grâce à l'attachement des habitants à la terre. Un hommage à ceux qui arrivent à se réinventer après un événement terrible comme la guerre civile qui a frappé le petit pays d'Amérique centrale dans les années 1980. Le prix du public documentaire est allé au mexicain El tren de las moscas, le train des mouches, un coup de chapeau aux femmes qui attendent les trains de marchandises du Mexique chargés d'immigrants clandestins dirigés aux Etats-Unis et leur apportent nourriture et boissons. Le documentaire est signé par le basque Fernando Lopez Castillo et par la catalane Nieves Prieto Tassier.

L'accolade du meilleur court-métrage est allée à l'argentin Coral d'Ignacio Chaneto. Le « coral » en question est le serpent le plus venimeux d'Amérique latine porté par une femme comme une arme alors qu'elle demande la réintégration de son mari sur le poste de travail perdu. Le réalisateur a dit vouloir souligner la condition de la femme dans les régions rurales et tropicales d'Argentine.

La mention spéciale pour les courts est allée à Luminaris œuvre d'un autre argentin Juan Pablo Zaramella film qui souligne la vitalité des films d'animation en Amérique latine.

Finalement le prix Shorts TV Numéricâble est allé au colombien MauricioLeiva Cock, pour son film Café con leche, l'histoire triste d'une vache qui ne voulait pas donner du lait à son maitre employé dans un abattoir.

Cuba : illusions perdues

Robert Scarcia — 2011-10-06T20:44:10Z

Les conquérants espagnols appelaient Cuba « la perle des Caraïbes ». En fait, de tout temps l'île a exercé une influence inversement proportionné à son poids géopolitique. C'est également le cas pour la cinématographie latino-américaine dont elle est souvent un point de référence sinon un modèle. J'en veux pour preuve le film, Acorazado ou « bateau cuirassé » , œuvre du réalisateur mexicain Alvaro Curiel et Boleto al Paraiso ou ticket pour le Paradis au réalisme tragique signé par le cubain Gerardo Chijona. Dans Acorazado, Cuba « la perle » se retrouve au centre du film par les caprices des courants qui sillonnent les Caraïbes. "Ticket pour le Paradis" du cubain Chijona par contre, nous renvoie au fléau du Sida dans la jeunesse cubaine.

Silverio, le protagoniste du « bateau cuirassé » du mexicain Curiel est un syndicaliste mexicain qui cherche à rejoindre les Etats-Unis en se mettant à la dérive sur un son taxi transformé pour l'occasion en bateau-radeau ! Son idée est de se faire passer pour un exilé cubain et bénéficier ainsi de la bienveillance des autorités américaines, toujours bien disposées à l'égard de ceux qui fuient le communisme. En d'autres mots les Cubains qui essaient de rejoindre les Etats-Unis évitent les difficultés de l'émigration illégale aux USA contrairement au parcours du combattant attend tout mexicain voulant chercher fortune dans le voisin du nord. Mais, la Mer des Caraïbes en voulait autrement et notre héros mexicain qui se voulait faire passer par cubain arrivé en Floride se retrouve sur les côtes de…Cuba et ainsi commence une divertissante comédie avec un fond triste.

En admettant d'avoir souvent une image idéalisée de Cuba, le réalisateur à révélé avoir eu cette idée du film à une époque très difficile pour son Mexique natal « j'était persuadé qu'un jour on finira pour voir des boat-people mexicains aller à Cuba » a-t-il dit. Les difficultés rencontrés avec les autorités pour tourner le film ont peut être fait fondre le romantisme de Curiel, l'auteur a confessé avoir dû « se souler avec un fonctionnaire de la censure pour avoir le feu vert pour le tournage ».

Conscient de travailler en pays étrangers Alvaro Curiel veut à tout prix établir des distances entre son film et ce qu'on voit avoir été fait par exemple par Woody Allen en Espagne. « Je trouve que trop souvent les réalisateurs veulent faire des films sur le monde et ils sont bien souvent irrespectueux vis-à-vis des populations qu'ils filment ». Si son but était d'éviter de se faire prendre pour un étranger en terre culturellement conquise, Alvaro Curiel a remporté son pari, l'image respectueuse pour l'île et ses habitants qui nous envoie n'a rien à voir avec la Barcelone des stéréotypes romantiques du réalisateur new-yorkais marqués par le décalage culturel entre les personnages étrangers et les indigènes.

Boleto al Paraiso est d'un tout autre tonneau. Le film raconte la rencontre entre une fille sexuellement agressée par son père et qui s'est enfuie de chez elle et un garçon marginal passionné de musique punk . Les deux rejoignent ce qu'ils identifient comme « le paradis » un endroit où on ne doit pas travailler où on est logé et nourri « comme dans un camp de vacances », qui dans les yeux perdus du garçon est… le centre pour malades terminaux du sida. Le garçon accepte donc de faire l'amour avec une jeune prostituée et sidéenne qui y réside déjà. La fille, protagoniste du film suivra par amour son mec.

L'idée qu'un hôpital pour sidéens puisse être perçu par des jeunes cubains comme un espèce de ‘club med' gratuit est en soi terrifiant et pourrait nous conduire à dénoncer une mentalité malsaine de la part du réalisateur si ce n'était que, comble de l'horreur, l'histoire du film s'inspire d'un fait réel, un livre-témoignage d'un médecin cubain qui ne mâchait pas ses mots pour décrire les cas de jeunes sidéens qu'il traitait.

La confusion entre enfer et paradis est vieille comme le monde, mais cet angle cubain est particulièrement troublant puisqu'il révèle un monde où les idéaux et les projets collectifs se sont carbonisés, la morale de souche religieuse avec ses idées du péché est morte, et la seule chose qui reste est l'envie de s'empoisonner le sang avec le virus VIH croyant pouvoir ainsi vivre une « dolce vita » sans efforts dans un hôpital pour malades terminaux avec musique préféré en arrière plan. Quand le jeune se rend compte, il est trop tard.

Le film de Gerardo Chijona nous remue et donne envie de crier l'outrage d'une société qui ne sait pas donner à sa jeunesse les moyens de se protéger. Ceci dit il serait trop facile et intellectuellement lâche de clore le discours sur ce « ticket au paradis » en réduisant le film à une histoire cubaine tournée à l'époque de « l'état d'exception » des années 1990 lorsque Cuba se trouva seule et sans ressources face à l'effondrement du bloc socialiste.

Boleto al Paraiso, doit être pris comme une généreuse et courageuse contribution de la cinématographie cubaine pou mettre métaphoriquement en garde le monde entier qui navigue entre inconscience et naïveté.

Biarritz, le Festival d'Amérique latine a 20 ans

Robert Scarcia — 2011-10-02T21:27:00Z

Déjà vingt ans que le festival de Biarritz célèbre le cinéma et les cultures d'Amérique latine. Les festivités autour de cet anniversaire ont cependant pâti de l'annulation de l'année du Mexique ainsi que le disait Marc Bonduel, délégué général du Festival : « L'année du Mexique en France devait marquer cette 20ième édition. Nous y avons travaillé pendant un an ! Les conditions de son annulation montrent à quel point un Festival comme le nôtre est important pour mieux se comprendre … ».

Nous tenons à souligner que ceux qui vivent et travaillent sur une terre frontalière aux racines culturelles et linguistiques entrelacées et où il se parle au moins trois langues dont deux, le Basque et l'Espagnol, renvoient directement à la souche ibérique, sont mieux à même de favoriser ce trait d'union avec les autres pays de l'Atlantique : ils sont également mieux placés pour comprendre et développer les échanges culturels en direction Sud ouest que les instances bureaucratisées d'un état centralisé. La frontière incarne peut être la fin d'un territoire géographique, mais c'est également le lieu du rencontre culturel avec l'Autre. Entendra qui voudra.

Passons au programme et surtout aux films en compétition. Premier constat et signe que les organisateurs du festival ne s'en sont pas laissé imposer : la présence mexicaine reste forte. Des démonstrations de lutte libre par des champions mexicains, un ciné-concert sur le film El Tren Fantasma, le train fantôme de Gabriel Garcia Moreno ont été à la disposition du public comme l'ont été les auteurs Paco Ignacio Taibo et Alberto Ruy Sanchez. D'autre part, l'autre grand pays invité c'est l'Argentine avec un hommage du Festival de Mar del Plata et au réalisateur Daniel Burman.

Le jury du festival pour les films en compétition est présidé par l'acteur argentin Ricardo Darín qui est entouré par l'hispano-argentine Natalia Verbeke, le mexicain Alberto Ruy Sanchez, Philippe le Guay, rédacteur de la revue « Cinématographe », Astrid Berges-Frisbey et Laurent Lavolé. Le premier film en compétition et premier objet de notre chronique est Las Acacias, de l'argentin Pablo Giorgelli, l'histoire d'un camionneur qui ramène une femme et son bébé de la frontière du Paraguay à Buenos Aires. Avec en sourdine, le sempiternel bruit du moteur du camion, des arrêts d'autoroute, c'est l'histoire des regards et des silences qui indiquent le début d'une histoire d'amour. « Je voulais raconter l'évolution psychologique du personnage du camionneur » a expliqué Giorgelli lors de la rencontre des cinéastes avec le public, un moment important du Festival de Biarritz puisque cette formule permet le dialogue direct ente cinéastes, cinéphiles et spectateurs sans passer par les intermédiaires des professionnels de la critique des conférences de presse classiques. Las Acacias avait déjà un joli palmarès : le prix de la Caméra d'or à Cannes et le prix du meilleur film latino-américain à Saint-Sébastien, signes que les essais sur la difficulté d'établir des relations est un thématique qui interpelle plus que jamais aujourd'hui . C'est aussi le thème de Transeunte, « le marcheur » du brésilien Eryk Rocha, fils de l'inoubliable cinéaste Glauber Rocha. Tourné en blanc et noir, la caméra d'Eryk Rocha suit les journées de Expedito, un retraité, veuf et sans enfants de Rio de Janeiro. En marchant dans les rues de la plus célèbre ville du Brésil, le personnage trouve petit à petit un nouveau départ. Le jeune Rocha a souligné que « dans le film il y a deux protagonistes, Expedito, le retraité et la ville de Rio », ville des mémoires du réalisateur.

La ville et ses habitants, les matchs de foot de l'équipe locale , le flamenco, les karaokés fournissent les scènes du film qui, d'après son réalisateur, « sont la peau du film dans laquelle rentre le personnage ». Autre que la colonne sonore forte belle et qui semble révéler les états d'âme d'Expedito, les images du centre historique de Rio de Janeiro permettent de percevoir la complexité de la réalité en transformation d'une ville en partie ancienne, en partie moderne, en partie pauvre, et en partie bobo.

« Los Pasos Dobles », un film transculturel triomphe au festival de Saint-Sébastien

Robert Scarcia — 2011-09-24T13:52:00Z

Un film dirigé par un jeune réalisateur catalan, produit en coopération avec la Suisse, tourné au Mali avec des acteurs africains non-professionnels recrutés dans les villages et les marchés, une recherche au tour d'un peintre écrivain français presque inconnu, voilà les ingrédients de « Los Pasos Dobles » le film qui remporte la Concha, la Coquille d'or du meilleur film de la 59ème édition du Festival international du cinéma de Saint-Sébastien.

L'œuvre du jeune réalisateur Isaki Lacuesta est d'une grande originalité. Né de son intérêt pour l'histoire de François Augiéras, peintre et écrivain mort dans les premiers années 70 en Afrique après avoir, selon la légende, peint des fresques les murs d'un bunker. Le lien entre l'aventurier français, né en 1925, et le film, c'est le peintre Miquel Barcelo qui réside au Mali. Le film suit une série de personnages maliens dans leur recherche des légendaires peintures cachés d'Augéras et se termine par un regard sur les toiles de Barcelo qui a trouvé au Mali une source d'inspiration non seulement pour les couleurs mais aussi pour les aux formes , comme celles laissées par exemple dans le bois à la suite du passage des termites. Ce croisement est parfois difficile à suivre, mais peu importe, la vertu du film est ailleurs. D'abord, les acteurs africains qui en dépit de cette absence de culture audiovisuelle, bougent sur l'écran avec une spontanéité exceptionnelle, la preuve peut-être que la technologie n'est pas nécessairement un atout dans la recherche artistique. Mais la grande vertu de ce film est surtout d'être un essai, une tentative de créativité transculturelle sur grand écran.

Le prix du Jury est allé au film français le Skylab de la réalisatrice française July Delpy. La réalisatrice nous raconte ses souvenirs des réunions de famille en Bretagne. Repas de famille donc, discussions entre cousins, jeux d'adultes et d'enfants, mais la famille élargie se réunit lors de l'anniversaire de la grand-mère en 1979, une époque importante pour la génération de la réalisatrice, enfant à l'époque, car c'est un moment de transition entre mai 68 et la victoire socialiste à la présidentielle qui marque un changement de la société française. Mais le Skylab n'est pas un film politique, et le labo spatial qui devait « tomber sur la France occidentale » à l'époque ne représente pas une épée de Damoclès. Mme Delpy a dit vouloir casser toute barrière entre le public et l'écran pour faire participer les spectateurs directement à l'histoire.

Triomphe grec pour la meilleure interprétation masculine et le prix pour le meilleur réalisateur. Antonis Kafetzopoulos, le flic au profond sentiment éthique à remporté la Coquille d'argent du meilleur acteur et Filippos Tsitos, réalisateur du Le monde injuste (voir chronique précédente) a obtenu la coquille du meilleur réalisateur. Ce succès grec est important non seulement parce que le jury présidé par Frances McDormand a couronné u film qui parle d'éthique mais aussi parce que n'étant pas un sujet commercial le film avait été tourné avec très peu de moyens, et les acteurs ont travaillé comme l'a expliqué M Tsitos en tant que « coproducteurs » ; en d'autres mots sans salaire, difficile d'imaginer une plus douce revanche pour ces deux messieurs grecs.

Maria de Léon la protagoniste de « Pepita » dans La voz dormida (voir chronique précédente) a reçu la coquille pour la meilleure interprétation féminine. Un prix mérité par cette jeune actrice espagnole dont on parle beaucoup ici comme d'une star naissante du cinéma ibérique. Le prix pour la meilleur photo a été decerné au film suédois Happy End (voir chronique précédente) et Ulf Brantás son directeur de photo et élève de l'italien Storaro a recueilli le prix au nom de l'équipe dirigé par Bjorn Runge.

Le prix pour le meilleur scénario est allé au japonais Hirozako Kore-eda pour le film I wish (voire chronique précédente). Le réalisateur a accepté en disant que bonne partie du prix va les deux petits frères séparés sous un volcan qui crache le ceindre.

Terminons avec le Prix du Public. Les spectateurs de la ville de Saint-Sébastien ont plébiscité The Artist, « l'artiste » du réalisateur français Michel Hazanavicius, un émouvant et courageux hommage au film muet en blanc et noir. Le film parle de la tombé dans l'oubli et la faillite d'un acteur de film muet d'Hollywood avec l'arrivé de la voix sur le grand écran des années 1920. Déjà primé à Cannes sous la forme de la meilleure interprétation masculine pour l'acteur Jean Dujardin, le choix du public de Saint-Sébastien est importante non seulement parce qu'il couronne un film que comme le soulignait son réalisateur personne ne voulait financer, mais justement parce que on peut percevoir une tendance dans les gouts de la critique et du public qui donne de l'espoir.

Sans cacher les différences entre eux, les films primés à Saint-Sébastien ont le mérite d'avoir étés faits avec un budget très bas (Los Pasos Dobles, Unfair World, The Artist), d'avoir étés interprétés par des acteurs non professionnels (Pasos Dobles) ou bien par des professionnels qui n'ont pas perçu du salaire (Unfair World), ou bien par des professionnels qui ont fait une importante recherche sur le langage (La voz dormida).

Il serait peut être naïf d'interpréter ce festival de Saint-Sébastien comme l'indication d'une révolte des créateurs d'image et du peuple des cinéphiles du public contre le « patronat » de l'industrie cinématographique. Mais il semble quand même que dès qu'ils ont un choix réel, le peuple des deux côtés du grand écran choisit la qualité des messages de fond sur les produits superficiels que le marché impose.

Voilà le message inconscient et sublimé qui vient de Saint-Sébastien et qui devrait s'appliquer et s'étendre :alors que la mondialisation transforme la démocratie en ploutocratie, il est de plus en plus nécessaire de proposer des hypothèses à contre-courant du discours dominant puisqu'il y a encore de l'espoir pour la victoire de l'éthique et de la spontanéité.

Festival le FIDEL "La relève" : les jeunes et la politique

Fulvio Caccia — 2011-09-24T10:13:00Z

Voici le FIDEL, premier festival dédié au cinéma de la diversité qui débute ce mardi 20 septembre . Renseignements : www.lefidel.com . Nous vous invitons à venir voir le film "La relève", le dimanche 25 septembre, 19h30 projection à la CNHI 293, avenue Daumesnil (M° Porte dorée) suivi d'une rencontre avec les cinéastes.www.histoire-immigration.fr/

Trois mois après que les « indignados » aient planté leurs tentes sur les places des grandes villes d'Europe et du Moyen-Orient, on peut se demander comment les jeunes en France investissent l'espace public et politique ? La relève, un film d'Emmanuelle Bidou et d'Anne-Sophie Birot l'anticipe à sa façon. Les documentaristes ont suivi trois jeunes dans leur apprentissage militant : Leila, engagée en politique auprès du NPA ; Jean, un lycéen de Montreuil qui fait ses armes dans la contestation estudiantine et Meissa, immigré précaire qui rêve de justice et de business pour son pays, le Sénégal.

Certes le film aurait gagné en pertinence en confrontant la pratique des jeunes militants de l'ensemble des grandes familles politiques en France au lieu de la cantonner à la seule extrême gauche. Mais ce parti-pris militant n'enlève rien cependant à la justesse de l'état des lieux que dresse le film. Les formes d'engagement se diversifient aujourd'hui. Mais les contradictions demeurent.

A l'heure d'internet, des réseaux sociaux, l'engagement dit traditionnel a-t-il toujours sa place chez les jeunes ? Comment le conjuguer lorsqu'il n'y a plus de grandes causes politiques ? Mais qu'est-ce que l'engagement ? Qu'est qu'un militant aujourd'hui ? Ces questions, le documentaire a le courage de les poser.

Peut-être aurait-il fallu explorer davantage du côté des réseaux sociaux pour avoir une meilleure idée de ce nouveau militantisme. On songe aux jeunes blogueurs tunisiens qui ont fait école. Car il s'agit là comme ici de prendre à contre-pied le discours du pouvoir. A cet égard l'une des pistes le plus captivantes du documentaire est sans doute la déconstruction de cette langue de bois dont usent et abusent les autorités pour justifier leur pouvoir. On voit les jeunes militants démonter cette novlangue, en lui opposant une autre parole qui n'est plus celle du Parti ou de la Contestation comme on disait naguère mais qui est celle de la vie, du quotidien, des gens ordinaires qui en ont marre de se faire exploiter.

Déjà le philosophe Walter Benjamin prédisait que dans sa phase avancée, le capitalisme n'avait plus en vue la transformation du monde mais sa destruction. Aussi, on ne peut qu'applaudir à ce documentaire stimulant et réjouissant. Il nous présente trois démarches militantes sans biffer leurs contradictions face au bulldozer ultralibéral. Ne serais-ce que pour cette seule raison, ce film mérite d'être vu et discuté.

FISS : Enfants d'Asie

Robert Scarcia — 2011-09-24T06:24:00Z

"Eleven Flowers", onze fleurs en chinois, veut dire « j'ai onze ans ». Le titre de cette première coproduction franco-chinoise de Wang Xiaoshuai s'inspire des souvenirs d'enfance du cinéaste durant la Révolution culturelle.

Le personnage principal est en effet un enfant de onze ans qui se retrouve face à face avec un assassin en fuite. Le climat de la Révolution culturelle imprègne la vie quotidienne et comme dans la véritable biographie du réalisateur le fils d'un intellectuel forcé par les ukases maoïstes à s'établir dans la province profonde du Ghizou, où ce citadin a de Shanghai a beaucoup de mal à s'intégrer.Onze Fleurs n'est pas un film politique mais la politique de l'époque est traitée de manière originale. Devant les pressions idéologiques comment préserver son individualité ? Au-delà de la première, immédiate lecture de l'histoire du film la chasse à l'assassin perçu par les yeux d'un enfant, il y en a une autre plus fine et critique de la société chinoise de l'époque : le père insiste pour que son fils se dédie à la peinture et de la sorte il puisse conserver son indépendance d'imagination et de perception de la réalité. La peinture devient donc pour l'enfant un exercice de liberté, mais un devoir que l'enfant voudrait parfois éviter comme s'il s'agissait d'un devoir d'école. Le réalisateur a également tenu à dire que son film est un hommage à ces familles citadines bafouées par la révolution culturelle qui ont étés déracinées et qui depuis lors ont eu beaucoup du mal à réintégrer leurs anciennes positions.

Nous disions qu'il s'agit de la première production franco-chinoise pour le grand écran. Isabelle Glachant, la productrice française nous a confié qu'il a fallu dix ans pour voir le projet se concrétiser. Le film a été monté à Paris par des professionnels francophones qui ne parlaient pas la langue chinoise. A cet égard Eleven Flowers est un intéressant exemple d'interaction transculturelle cinématographique qui devrait, on l'espère, se multiplier.

Avec Kisei, I wish (mon vœu) le réalisateur japonais Hirokazu Kore-eda présente des scènes de la vie quotidienne de deux frères séparés suite au divorce de leurs parents. Lorsque les frères apprennent qu'un nouvel train à grande vitesse fera la nouvelle liaison entre les deux villes où ils résident, ils commencent à croire que la réunification sera possible. Les enfants souffrent de la situation de séparation mais la vie continue comme les cendres d'un volcan qui ne cessent de tomber sur la ville de l'un des deux jeunes.

L'interprétation des jeunes frères (dans la vie réelle et dans le film) Oshiro Maeda et Kaki est remarquable, mais il y a souvent quelque chose d'inquiétant dans le rapport qu' avec la complicité des grands-parents, les deux fils établissent avec leurs parents. En fait, les fils semblent souvent plus murs que les pères, une tendance qu'on remarque souvent, non seulement dans ce cas, dans les films ayant les petits pour protagonistes. Il serait exagéré de voir dans « le vœu » de Hirozaki Kore-eda la critique à la génération des parents et par conséquent d'espoir par rapport aux enfants, ceci-dit les pères et les mères semblent perdus par rapport à leurs fils et parents. En fait la représentation d'une génération perdue serait compréhensible, les parents ont grandi entre vieux monde et nouveau monde globalisé, en d'autre mots ils ne sont ni d'avant ni d'aujourd'hui, d'où leur manque de racines culturelles qui font qu'ils se perdent facilement.

CSS : l'éthique grecque, l'amour portugais et l'espoir basque

Robert Scarcia — 2011-09-24T05:29:00Z

"Unfair World", ou (Monde injuste) c'est le film du réalisateur grec Filippos Tsitos, la tendre histoire d'un policier qui pardonne toujours les délinquants qu'il considère victimes des injustices de la société.

Par une heureuse coïncidence, le tournage du film qui avait été pensée d'abord en 2003 a été retardé de quelques années pour être complété cette année en pleine crise en Grèce. Ce film hellénique présente des personnages qui non sans un certain courage font des choix à contre-courant. « Il s'agit d'un hymne aux choix éthiques », a expliqué M Tsitos, qui a souligné que le monde a tourné le dos à la morale civique piégeant tout un chacun dans un engrainage diabolique avec lequel il convient de collaborer pour s'en sortir. « J'ai voulu poser la question d'un alternative à cet état de fait ». Le constat qu'il dresse dans le film laisse de l'espoir : il y a encore des gens suffisamment moraux pour faire des choix justes qui selon le réalisateur « pourraient améliorer le monde ».

Le personnage principal du Monde injuste de Filippos Tsitos évoque un peu le brave cardinal Melville, interprété par Michel Piccoli dans la dernière œuvre de Nanni Moretti, le pape qui ne voulait pas être pape devant la tache immense qui lui incombait. Ici le policier grec prend des responsabilités personnelles qui impliquent des conséquences graves, mais comme dans le film de Moretti, il n'y a pas de solution idéale qui puisse indiquer une seule voie de sortie de la crise . On songe bien sûr à la crise grecque actuelle.

Sangue do meu sangue, Sang de mon sang est le film portugais signé par le réalisateur Joao Canijo ancien main droite du maître Manoel de Oliveira et présente la dure réalité sociale d'une banlieue populaire de Lisbonne. Le film est un hymne à l'amour inconditionnel d'une mère pour ses enfants dans un contexte social difficile où se mêlent violence, commerce de drogue et érosion des anciennes valeurs morales. Par pur amour et courage la mère arrive à sauver la fille d'une relation amoureuse avec un homme marié et une tante essaie de sauver le neveu de l'emprise des caïds du quartier. Le film est trop réaliste pour un « happy ending hollywoodien » mais la victoire appartient aux tenants de l'amour. La réalité des quartiers populaires est rendue remarquablement par le son de la télé toujours allumé et la culture de la consommation qui affecte tragiquement les moins nantis et qu'avait anticipé Pier Paolo Pasolini en son temps. Ceci s'exprime par l'importance que l'une des personnages donne à une… implantation mammaire à la silicone.

Sur le plan technique M Canijo fait tourner la caméra dans les lieux les plus exigus de cet appartement populaire ; parfois même présente les dialogues sont décalés par rapport aux scènes : ce qui permet au spectateur de s'imprégner de la réalité de la vie quotidienne, même si parfois le résultat n'est pas évident.

Il faut espérer que ces deux film qui conjuguent ensemble morale et désintéressement soient un signe d'un renouveau au cinéma engagé à fort contenu social dans les cinématographies d'Europe méridionales.

Terminons cette chronique avec un film hors compétition officielle, le basque « Au final du tunnel ». Un documentaire sur la situation politique actuelle du Pays Basque espagnol, la fin des actions terroristes de l'ETA. Le documentaire donne la parole à une série de personnes dont la vie a été marquée par l'organisation séparatiste basque : des anciens militants sortis de prison, des victimes d'actions terroristes et des victimes des assassinats du GAL, les barbouzes qui à une époque ont décidé de combattre l'ETA avec le terrorisme. Ce collage de vécus tragiques d'ordre différent est uni par le commun dénominateur de la souffrance des personnes. La fin du tunnel rappelle avec tristesse que même si la paix au Pays Basque semble proche avec la fin de l'ETA, la réconciliation de fond n'est pas pour demain.